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La Coctelera

BREVE HISTORIA DEL VALLENATO

historia del vallenato es tan hermosa como extensa y en este blog solo dedicaremos a ella dos apretadas síntesis, por eso son los lectores quienes deben ayudarnos a ampliarla y enriquecerla con sus comentarios BREVE RECUENTO HISTORICO DEL VALLENATO (1)

Lamento desilusionar a quienes creen que con la llegada del Acordeón a Colombia nació la música vallenata, como dijimos en nuestra primera entrega, la fusión triétnica ocurrió mucho antes de haberse creado el acordeón; a finales del siglo XIX y principios del XX, cuando ocurrió la llegada del instrumento alemán a nuestro suelo, los historiadores dan cuenta de por lo menos 300 años de vida del canto vallenato acompañado con una organología autóctona conformada por tambores negroides, guacharacas y flautas del indio chimila.

Las tres etnias que conforman el vallenato debieron surtirse de diversos instrumentos de todos los tipos antes de llegar a la trilogía que hoy conforman la base de esta música (Caja, Guacharaca y Acordeón) así instrumentos como la flauta de todas las variedades, la dulzaina o armónica, mas conocida en la región caribe como violina, la guitarra, las maracas y muchos otros contribuyeron a la riqueza ancestral del vallenato.

El canto vallenato de indiscutible origen europeo y mas exactamente español, aunque algunos pretendan ocultarlo, es a nuestro juicio la columna vertebral del vallenato y la décima española, es decir las estrofas de diez versos, que se cantaban sin ningún acompañamiento por poetas que en sus improvisaciones le cantaron a lo divino y humano, se pasearon por toda la costa caribe y se señorearon en el fértil valle de upar.

El acordeón es entonces el mas joven de los integrantes de la trilogía vallenata y fue inventado y patentado en Alemania por Kiril Damian en 1829, llegó a Colombia como una mercancía mas, pero los dedos inquietos de los músicos del valle lo transformaron de instrumento solitario a liderar la organología autóctona de lo que hoy es el Vallenato.

SOBRE LOS COMENTARIOS A NUESTAR PRIMERA ENTREGA

Estamos muy contentos con la manera seria y profunda con la que la mayoría de los lectores han contribuido a este foro, les aconsejamos no desesperarse en las inquietudes que les asaltan, pues en la medida que se vallan desarrollando los temas que tenemos preparados se despejaran muchas dudas, no podemos adelantarnos a tocar temas que serán abordados en su debida oportunidad.

La inquietud del lector sobre otra tesis de la palabra vallenato, relacionada con una enfermedad cutánea que azotó la región y con BALLENATO el hijo de la BALLENA, en nuestra opinión no resiste el más mínimo embate probatorio, pues la epidemia ocurrió en el siglo XX y de vallenato con V se habla hace más de dos siglos, lo invito a visitar la pagina oficial del Festival de la Leyenda Vallenata.

Es conveniente invitar a los versados en la materia a que contribuyan con sus aportes, sin importar que los criterios no sean coincidentes, al fin y al cabo este es un espacio de opinión y el blogger no es dueño de la verdad revelada.

ARTICULO TOMADO DE LA PAGINA DE INTERNET:
http://tr.eltiempo.terra.com.co/blogs/home/contenidoblog.php?blog=2208989367

EL VALLENATO Y SU HISTORIA

Historia

EL VALLENATO Y SU HISTORIA

Lo que hoy se conoce como folclor Vallenato nació en las sabanas, caminos y pueblos perdidos de la Costa Norte de Colombia.

Su difusión se le debe en sus principios a los moradores de la región, que aún sin tener una preparación académica de acordeón, aprendieron a amansarlo para acompañar a los instrumentos de percusión que ya dominaban, y que les servía de fondo y de acompañantes para exteriorizar todos los demonios que tenían dentro en forma cantada, para entregar un recado, para dar una mala noticia o confesar sus amores.

Dagoberto Puello afirma en su Historia del vallenato que “con muy contadas excepciones, aprendieron a tocar (interpretar) el acordeón, pese a desconocer en absoluto las notas del pentagrama musical. Su aprendizaje se hacía por "oído" y practicaban a diario, bien en el cambuche (Rancho) de su huerta (también la llaman rosa) o en el extenso patio de la casa en los pueblos”.

Francisco "El Hombre", cuyo verdadero nombre era Francisco Moscote, era un “mensajero” que hacía la ruta entre los pueblos de las sabanas del Cesar y La Guajira a lomo de burro, llevando las noticias y recados al pueblo donde llegaba, que le entregaban en el pueblo que acababa de visitar. Llegaba al centro del pueblo, en la plaza, y comenzaba a tocar su acordeón y a cantar las noticias y las “razones” que le interesaban a la gente que al escuchar las notas del acordeón de Moscote, salían corriendo para la plaza a ver si las noticias cantadas traían alguna esperanza de algún familiar del que no tenían noticias.

Cuenta la tradición que en una de su corredurías, Francisco Moscote se encontró en el camino con el mismísimo Diablo, quien lo retó a tocar el acordeón, a ver cual de los dos lo hacía mejor, la leyenda dice que Moscote le ganó al Diablo tocándole el “Credo” al revés, y como la contienda fue debajo de una palmera, ésta quedó chamuscada cuando el Diablo se fue vencido y mal geniado. Debido a todo lo anterior, se asigna a Francisco Moscote como el precursor de la música vallenata.

El acordeón encontró buena acogida en las clases populares donde se convirtió en pieza fundamental para las parrandas. Naciendo entonces ritmos que el pueblo bailaba acompañados por la música de acordeón, como el chandé, el pajarito, la colita y otros más. Otros ritmos que en las sabanas de Bolívar y Sucre se interpretaron con este instrumento sonoro, fueron El porro y la Cumbia.

Las canciones que se escuchaban en esa época, eran interpretadas con guitarras, y maracas. Tal vez parodiando a las grandes agrupaciones musicales de las Antillas, que eran aceptadas a gran escala en todas las clases sociales. Pero cuando el acordeón entró a reemplazar a la guitarra o a acompañarla, se consiguió una tonalidad musical que fue aceptada por un grueso número de pobladores.

Las agrupaciones que nacían se caracterizaban porque el acordeonero era el mismo cantante y se hacia acompañar de una caja y una guacharaca. La primera que es un tambor pequeño con cuerpo de madera tallado en su interior y con un parche que para entonces era de cuero, primordialmente de "Cuero é Chivo"; algunos cajeros utilizaron Cuero de Perro, siempre buscando una mejor sonoridad. Hoy en día La Caja posee un cuerpo bien moldeado y su parche es especial, se utiliza el plástico. La guacharaca se hace de una mata (arbusto) que se conoce con el nombre de "lata de púas". Se corta un trozo de unos treinta a cuarenta centímetros y se le saca el centro del tallo que es blando, quedando como una canal. En su "lomo" se tallan varias ranuras, que al ser frotadas con un trinche especial de metal, produce su sonido característico. En la actualidad ha sido reemplazado por los de metal, siempre buscando un mejor sonido, pero en el Festival Vallenato se exige el de madera. Su nombre proviene de un ave que en la Costa Atlántica, canta en las serranías y que es "ave de buen agüero" para los campesinos, su canto se asemeja un poco al sonido de ésta. Es el único instrumento autóctono con que cuenta la música de acordeón, ya que los otros son foráneos: El acordeón es de origen Alemán y la caja de origen Africano.

La historia narra que cuando la plena bonanza de la Zona Bananera en el Departamento (provincia) de Magdalena, allí se reunían los jornaleros de todas la regiones a trabajar con la Compañía Frutera de Sevilla como cortadores, labradores y transportadores del banano de exportación. En los campamentos nacían nuevas amistades, la primera pregunta que le hacía a quien se acababa de conocer era: “y usted de donde es compa”..?. La respuesta era de acuerdo a la región de procedencia. Yo soy Bolivarense, yo soy Guajiro… Yo soy nato del valle...Esta última era utilizada por los oriundos de Valledupar, quienes querían decir que eran nativos del Valle. La descomposición de esta frase dio origen al termino "VALLENATO", que luego fue adaptado a la música de acordeón de aquella región. Empezaron algunos conjuntos a utilizar el término. Pero el termino Vallenato también era despectivo. Se les aplicaba a aquellas personas que tenían manchas blancas en su piel (vitiligo) y se consideraba una enfermedad de la clase baja.

Uno de los escenarios donde empezó a codearse el vallenato con la música que escuchaba y bailaba la burguesía -valses, mazurcas, canciones napolitanas- fue en el de las colitas. Era este el nombre que recibían las «colas» o finales de fiesta de la clase adinerada: bodas, bautizos, cumpleaños, festejos religiosos... Durante el sarao, mientras los señores se divertían con la música europea que interpretaba una precaria orquesta provinciana.

Algunos investigadores, como el expresiente López Michelsen, afirman que estos remates de fiesta fueron el pabellón de maternidad del vallenato, pues combinaron ritmos europeos y nativos: entre ambos dieron a luz los aires vallenatos. “Las colitas son el ancestro directo del vallenato moderno”, afirma el expresidente colombiano.

TOMAD0 DE LA PAGINA DE INTERNET:

http://www.parrandavallenata.com/Sections+index-req-printpage-artid-2.html

HISTORIA DEL ACORDEON

Historia del Acordeón en el folclor Vallenato

Del Akordion Tornillo e' Máquina al acordeón 5 Letras
( Por Alberto "Beto" Murgas para la revista del XXIX Festival Vallenato )
El acordeón es un instrumento de viento, portátil, de música popular, compuesto por un sistema de lengüetas metálicas, puestas en vibración por un fuelle insuflador de aire, que se acciona entre los brazos y dos teclados: uno para la melodía (mano derecha)y otro para los acordes fundamentales, acordes de séptima y baja (mano izquierda).
Fue inventado en Alemania en el año 1829 por el austríaco Kiril Damian y perfeccionado por el francés Buffet. Tuvo mucha acogida en los países del centro de Europa, especialmente en Francia e Italia a mediados del mismo siglo, este último país fue el que más lo comercializó.
Inicialmente fue considerado el compañero inseparable de marinos y campesinos del viejo mundo. Este instrumento asoma al Valle de Upar en las últimas dos décadas del siglo XIX. En los primeros
veinte años del presente siglo fueron promocionados y comercializados dos tipos de acordeones: el germánico (Tornillo e'Máquina) que tiene dos teclas de bajo cuchara y una o dos filas de botones al lado derecho, y el tipo italiano o vienés (el Espejito) con cuatro botones de bajo y una o dos filas de botones al lado derecho. Del año 1936 en adelante comienzan a llegar los Morunos, Guacamayos, Club tercero y sus congéneres. Al promediar los años cincuenta aparece el G C F y A D G y en los sesenta comienza a reinar el Cinco Letras con suséquito de técnicos de acordeones que han obtenido de la musicalidad de éstas, variables maravillosas.
Llegó sin ningún propósito, pero hay un dicho popular que dice: "Al que le van a darle guardan", así de sencillo, encontró una estructura musical formada durante muchos siglos producto de la trietnicidad, y su asentamiento le permitió liderar la unidad musical de los tres continentes y convertirse en el instrumento alma y vida de un pueblo. Fue acogida con afecto. Ayudaron para que reemplazara al carrizo, gaita, o flauta, como se le denominara a este aerófono compañero de la caja y la guacharaca en otros tiempos, los siguientes juglares: José León Carrillo, Luis Pitre, Sebastián Guerra, Rosendo Romero Villarreal, Efraín Hernández, Santander Martínez, Pedro Nolasco, Andrés Montufar y Francisco El Hombre, entre otros. A cada uno como le fue llegando lo fue cogiendo, le fue sacando y lo fue tocando.
Las siguientes marcas han sido las más conocidas en la región: Regal, Coches, Paola Soprani, Delicias, Rigoletto, Honner (la reina del vallenato), y las últimas: la marca Saltarelle fabricado en Francia, trae micrófonos incorporados, luce en distintos colores y es comercializado en Colombia por Antonio Rivas, un chocoano que reside en París; la criolla Sincelejana que inicialmente se conoció como Bar Pos pero que ahora se denomina Ruffi elaborados por Rufino Barrios, y la más reciente, la italiana Gabbanelli de visos relucientes y tonalidades armonizadas por cambios, fue adquirido por Emilianito Zuleta Díaz, talentoso acordeonero de nuestro folclor.
Muchas denominaciones son producto del ingenio de sus intérpretes, según el motivo que representan, la similitud con otro elemento y hasta la subjetiva comparación. Los calificativos más
comunes son: El Tornillo E'Máquina, El Espejito, El Marca Venao, El Guacamayo, El Moruno, Acordeón de Cuchara, Acordeón de Tembladera, Acordeón de Aumento, Tu Ten Khamen, Barrilito, Acordeón de Caballete, Acordeón de Trompito, Club Tercero, Club Segundo, Acordeón de Cambio, Acordeón de Palanquita, Los Melodiones, Simila y El Colibrí.
Además tenemos los comercialmente conocidos donde se ejecuta la música vallenata de hoy que nos indican con sus letras el contenido de su musicalidad en notas, así: G C F (Sol Do Fa), A D G (La Re Sol), Cinco Letras o B Es As (Si bemol, Mi bemol, La bemol) y otras.
Hoy tres casos especiales que vale la pena resaltar por la importancia de sus dueños.
Lorenzo Morales, por los años 1942 a 1943, época en que ya gustaba, tenía fama y los demás le tenían rabiecita, como él lo manifiesta. Luego de pasar una noche amarga en el barrio La Garita donde las Rojas y en el Cañaguate porque los acordeoneros de las cumbiambas y merengues no quisieron prestarle el instrumento, entre ellos Alberto Pertuz, resolvió amanecer a palo seco en la plaza con los Galindo y los Nieves a esperar las siete de la mañana para ir a la tienda "La Nueva Paciencia", de don Jacob Lúquez, a comprar uno que sus amigos le habían ofrecido. Lo solicitaron y por dos oportunidades el dependiente le trajo de los de un teclado aunque no le asustaron porque eran de los mismos que había usado, entonces el propietario le dijo: "Te voy a sacar uno que si te va a gustar, vale veintisiete pesos". Trajo un Moruno de dos teclados y ocho bajos, color negro amas blancas, madera reluciente - "se podía uno afeitar - era una lindura, era un lujo, al verlo yo lo puse "Blanca Noguera" distinguida dama de Valledupar, de belleza sin igual y esposa de Santander Araújo, mi gran amigo, así como lo era Virgilio Baute, el doctor Molina y su esposa Mercedes".

Emiliano Zuleta Baquero tuvo conocimiento del acordeón de Moralito, los jagüeros amigos de Zuleta se reunieron, le propusieron a Pablito López (de los primeros Pablos) le vendiera el acordeón que era de segunda, se cerró el negocio, también era de dos teclados y tuvo un valor de veinte pesos. Ya Emilianito tenía la rasquiiiita con Morales y para estar en la tónica bautizósu nuevo instrumento como "La Morena".
Morales tiene un acordeón que llaman "Blanca Noguera"
y yo también tengo el mío que se Ilama "La Morena
Fue con este acordeón que se acompañó el Viejo Mile para hacer la inmortal obra "La gota fría". El dinástico Juancito López, en La Paz, poseyó un acordeón que le puso "El tigre de la montaña", porque tenía unos bajos roncos y profundos como el rugido de este felino. El Tornillo E' Máquina, por ser uno de los primeros acordeones que llegaron a nuestra tierra, merece hacerle su descripción.
Es un acordeón diatónico de tipo germánico con dos teclas de bajo cuchara y una o dos filas de botones en el lado atiplado, con teclado abierto o cerrado equipado con dos, tres o cuatro válvulas o pistones que algunos dicen eran las parecidas al tornillo de máquina, otros opinan que era que traían unos tornillos por donde desarmarlos muy parecidos al anteriormente mencionado- cuando todas las válvulas están hundidas, naturalmente, la dulzaina no suena. En el modelo con dos válvulas, con una levantada, un tono de la dulzaina suena. Con la segunda válvula levantada, otro tono de la dulzaina opera tornándose ligeramente como una variante no lo suficientemente discordante pero adecuada para proveer un efecto trémulo y placentero. En el modelo con tres válvulas la tercera opera un tono de ladulzaina afinando un octavo más bajo que el tono operado por la válvula número uno, y en el modelo de cuatro, la cuarta opera otro tono de la dulzaina afinando un octavo más alto que el tono operado por la válvula número uno. En el argot de los técnicos nuestros esto quiere decir que se cambia de sonido natural a sonido tapado, armonizado y transportado grueso. La cerradura está en la mitad del acordeón. Como punto de apoyo trajo una trenza de cuero afianzada en el centro del diapasón que le llaman manigueta.

juan luis grerra

Para la época en que Juan Luis Guerra y 440 irrumpieron en la escena de la música latina de los 80, el merengue era considerado prácticamente un ritmo musical para ser bailado, pero no para ser escuchado como quien se deleita con las canciones de Agustín Lara o con una de los Beatles. Juan Luis Guerra logró, con temas como Amor de Conuco, Viene a Pedir su mano, la Bilirrubina y muchos otros, que el merengue y la bachata se pusieran de moda. Los inicios comerciales de Juan Luis Guerra comienzan con la agrupación musical 440, en donde según comenta la página web guabaverry.net, la voz principal estaba a cargo de Maridalia Hernández y el propio Guerra, acompañados por Royer Zayaz-Bazán y Mariela Mercado. En 1990, a causa del retiro de Maridalia, Juan Luis toma el rol de solista y comienza una nueva etapa del grupo y el estilo de la música de lo que se sería desde ese momento, Juan Luis Guerra y 440.
Música de las venas a los pies
No hay datos precisos de la fecha de nacimiento de Juan Luis Guerra, unas fuentes aseguran haber sido el 7 de Julio, otras afirman que fue el 6 de Julio, pero lo que sí es cierto es que fue en el año 1956, que la familia Guerra-Seijas vio nacer a un niño que criarían entre las melodías y canciones de Agustín Lara y el son de la salsa puertorriqueña del "Cortijo y su combo", ("Gran Combo" de Puerto Rico).
De niño, cantó en actos culturales del colegio, en donde según el mismo cuenta, era obligado a cantar y declamar. Finalizada su educación básica, Guerra hizo un breve paso por la Universidad Autónoma de Santo Domingo en donde estudió por un año Filosofía y Literatura; sin embargo la música era su pasión por lo que dejó la Universidad para entrar al Conservatorio Nacional de su país. Durante sus estudios allí, logró obtener una beca para el Berklee College of Music de Boston. Así, Guerra hizo sus maletas y partió hacia una ciudad en donde redescubriría la importancia de sus raíces latinas y encontraría al amor de su vida: Nora Vega.
En Berklee…de la guitarra a la güira
La famosa escuela de música de Boston marcó la vida de este músico dominicano: en sus aulas mejoró y aumentó sus conocimientos de armonía, composición y orquestación y se dio cuenta que era mejor compositor que instrumentista. Sin embargo, empecinado con la guitarra Juan Luis tocaba en fiestas y en lugares en donde le permitieran mostrar su talento.
Según cuentan en guabaverry.net fue en una de esas fiestas -en donde su performance con la guitarra era pasada desapercibida- que Juan Luis se dio cuenta que su camino como músico estaba en sus raíces. En la misma fiesta había una güira al otro lado del salón, Juan Luis comenzó a tocarla y toda la fiesta se paralizó y centró su atención en ese músico que hasta ese momento había pasado al olvido. De esa experiencia, surgió la idea de 440, un grupo de merengue y música dominicana.
"Soplando" (1985) sería la primera producción y el primer fracaso del Juan Luis Guerra y su grupo. Este disco recopilaba una serie de merengues con ciertos toques de jazz que, en palabras de Bienvenido Rodríguez, productor de 440 para la época, estaba compuesto de piezas buenas, pero muy poco comerciales. Soplando era un disco con algunas influencias del Big Band.
A "Soplando" le sucedieron "Mudando y acarreo" (1985) y "Mientras más lo pienso… tú" (1987). Éxitos como "Si tu te vas" del primero y el tema homónimo del segundo, marcaron la nueva pauta del merengue y comenzaron una novedosa corriente musical de este género.
"Mientras más lo pienso…tú" es un trabajo discográfico exitoso, lleno de romanticismo y sueños. "Muchas veces compongo en base a realidades, pero también me nutro de mis sueños, de cosas que me gustaría vivir, pero que aún no he vivido. Por ejemplo "Amor de Conuco" es una historia de una casa de campo, pero nunca he vivido en uno. Simplemente recreé las cosas que pudieran suceder en una campiña y de allí salió la historia".
Para ese momento, Juan Luis Guerra y 440 habían calado en todas la clases sociales. El Merengue Dominicano se había hecho universal y con "Ojalá que llueva Café" (1990), su siguiente producción discográfica, el éxito de la agrupación alcanzó nuevos mercados como el europeo y el estadounidense.
Un Grammy color rosa
"Bachata Rosa" marca el hito del antes y después de Juan Luis Guerra y 440. Con este disco introducen un nuevo género musical a sus trabajos: La Bachata, un ritmo tradicional dominicano parecido al son cubano. Por su parte, los entendidos en la materia afirman que en "Bachata Rosa", 440 logra armonizar las influencias latinas no propiamente dominicanas creando nuevos elementos musicales. Rápidamente, revistas como Newsweek y Billboard, los etiquetaron como los nuevos ídolos de la música tropical.
Al año siguiente "Bachata Rosa" es nominada a los premios Grammy y consigue el galardón como "Mejor Disco Tropical del año 1991".
Su siguiente trabajo musical, en donde también debutó como productor, fue con Areíto (1992), un disco en donde buscó traer de regreso las raíces indígenas dominicanas. Areíto incluyó el sencillo "El Costo de la Vida", la primera canción de carácter completamente social. En una entrevista Guerra comentó: "Para escribir una canción con 'El costo de la vida' no se necesita ser músico, sino simplemente un ciudadano. En el momento de escribirla reflejaba una realidad de mi país, que con el tiempo se ha hecho común a otras realidades latinoamericanas".

Un alto en la carrera musical
Después de Areíto, Juan Luis Guerra se dio un descanso en su carrera musical por problemas de salud; sin embargo rápidamente en 1995 volvió al ruedo con su album "Fogaraté", en donde deleitó al público con un estilo de merengue conocido como "merengue ripeao" en su canción "La Cosquillita", compuesta en tiempos muy rápidos producidos con tamboras, acordeón, güira y saxofón, que demanda una manera especial para bailarlo.
Sin embargo, la acogida recibida por "Fogaraté" no fue la esperada. Juan Luis Guerra, necesitaba un descanso, pero más que físico espiritual. El mundo del negocio musical y la fama ganada era muy dura y a pesar del apoyo de su esposa y amigos, la intención de Guerra era de renunciar.
Es así como Juan Luis Guerra permanece apartado de la escena musical aproximadamente cuatro años, dedicándose más a su esposa y dos hijos: Jean Gabriel y Paulina, así como a componer y hacer arreglos para otros artistas. En su retiro, experimenta un reencuentro con su espiritualidad, lo que lo hace acercarse más a Jesús y a la vida cristiana, práctica que lo ayuda enormemente a enfrentar la fama, sus aflicciones espirituales o cualquier otro temor que su carrera le provocara. Es así como lleno de fuerzas, en 1998 edita "No es lo mismo ni es igual" con el que logra nuevamente ganarse el cariño del público.
Recientemente, en agosto de 2004, Juan Luis Guerra nos vuelve a sorprender con una nueva producción discográfica, titulada "Para ti". Este nuevo trabajo es producto de del agradecimiento que siente Guerra hacia Jesús por su bondad y amor hacia el mundo. Es el primer disco totalmente de música religiosa que produce, pero en entrevistas promocionales ha aclarado que no necesariamente sus próximos discos sean por la misma tónica. "Le seguiré escribiendo temas sociales y al amor, que ha sido mi gran inspiración a lo largo de estos 20 años de carrera musical"TOMADO DE LA PAGIONA DE INTERNET:
.http://www.mipunto.com/temas/4to_trimestre04/juan_luis_guerra.html

Para Tí
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LA HISTORIA Y EVOLUCION DEL MERENGUE

La Historia del Merengue
Tomado de "merengue", Enciclopedia Dominicana, Primera Edición.
Editado por Tambora y Guira

El Merengue es un baile folklórico dominicano
que se ha difundido ampliamente y
que muchos consideran como el baile nacional dominicano.

Origen
Se discute aún el origen del merengue. Entre las opiniones diferentes acerca del tema encontramos:

  • Fué Alfonseca quien inventó el merengue (Flérida de Nolasco).
  • Su origen y aparición se pierde en las brumas del pasado (Julio Alberto Hernández).
  • Nació con carácter de melodía criolla tras la batalla de Talanquera donde triunfaron los dominicanos (Rafael Vidal).
  • Parece ser que el merengue se desprende de una música cubana llamada UPA, una de cuyas partes se llamaba merengue. La UPA pasó a Puerto Rico, de donde llegó a Santo Domingo a mediados del siglo pasado (Fradique Lizardo).

Al parecer Lizardo se acerca al meollo de la cuestión. En 1844 el merengue aún no era popular, pero ya en 1850 se puso de moda, desplazando a la Tumba. A partir de ese momento tuvo muchos detractores.
A principios de la década de 1850 se desató en los periódicos de la capital dominicana, una campaña en defensa de la Tumba y en contra del merengue que reflejaba el auge que iba adquiriendo el merengue en detrimento de la última.
Don Emilio Rodríquez Demorizi dice: "Los orígenes del merengue siguen pues, en la niebla. No parece que pueda atribuirse a origen haitiano. De haber tenido esa oscura procedencia no habría gozado de boga alguna en 1855, época de cruentas luchas contra Haití; ni los que en ese año repudiaban al merengue habrían dejado de señalar tal procedencia como suficiente motivo . Tampoco lo señaló Ulises Francisco Espaillat en sus escritos contra el merengue en 1875".
En realidad, poco se sabe en concreto acerca del origen del merengue. A mediados del siglo pasado, de 1838 a 1849, un baile llamado URPA o UPA Habanera, se paseó por el Caribe llegando a Puerto Rico donde fue bien recibido. Este baile tenía un movimiento llamado merengue que al parecer es la forma que se escogió para designar el baile y llegó a nuestro país (República Dominicana) donde ni siquiera se mencionó en los primeros años. Posteriormente fue bien acogido y hasta el coronel Alfonseca escribió piezas de la nueva música con títulos muy populares como "¡Ay, Coco!", "El sancocho", "El que no tiene dos pesos no baila", y "Huye Marcos Rojas que te coje la pelota".
La estructura musical del merengue en la forma que se puede considerar más representativa, constaba de paseo, cuerpo o merengue, y jaleo. Se le quiere atribuir a Emilio Arté erróneamente el haber agregado el paseo al merengue tal como existía en su época. Toda la música se escribe a un ritmo de 2 x 4 y existen discrepancias en cuanto al número de compases que deben constituir cada parte, pues se abusaba a veces al alargarlas "ad infinitum".
Las formas literarias que acompañan al merengue son las más comunes dentro del arte popular la copla, la seguidilla, y la décima, apareciendo pareados de vez en cuando.
Desde el principio el merengue se interpretó en los instrumentos que poseía el pueblo y que les eran más fáciles de adquirir, las bandurrias dominicanas, el Tres, el Cuatro. A fines de siglo pasado hizo su entrada por el Cibao el acordeón diatónico de origen alemán que por su fácil manejo desplazó la bandurria. Por sus escasas posibilidades melódicas este instrumento limitó la música que interpretaba y así el merengue se conservó en cierta forma desvirtuado con relacion al original.
Con esta variante el merengue se adentró en la sociedad dominicana, integrándose por completo con ciertos sectores sociales desplazando inmediatamente a otras danzas que como la Tumba, por ejemplo, requerían de sus ejecutantes (bailadores) un gran esfuerzo mental y físico. Este último tenía once figuras diferentes. Es fácil de imaginarse por qué el merengue con su coreografía reducida a la más simple expresión pudiera desplazar a todos sus rivales y acaparar el fervor del pueblo. Ç
TOMADO DE LA PAGINA DE INTERNET :
http://www.americasalsa.com/lamusica/historia_merengue.html

LA COREOGRAFIA DEL MERENGUE

Coreografía

La coreografia del merengue se reduce a lo siguiente: El hombre y la mujer entrelazados se desplazan lateralmente en lo que se llama "paso de la empalizada", luego pueden dar vuelta hacia derecha o izquierda. Esto constituye el verdadero "merengue de salón", en el cual las parejas no se separaban jamás. Existe también lo que se conoce con el nombre de "merengue de figura" en el cual las parejas hacían múltiples evoluciones y adornos o "floreros" como se le llamaba, pero siempre sin soltarse. El merengue genuino y auténtico solo sobrevive en las zonas rurales. La forma tradicional del merengue ha cambiado. El paseo desapareció. El cuerpo del merengue se ha alargado un poco más y en vez de 8 a 12 compases a veces se le ponen desde 32 hasta 48. El jaleo ha sufrido la introducción de ritmos exóticos que lo han desnaturalizado.

TOMADO DE LA PAGINA DE INTERNET:
http://www.mindspring.com/~adiascar/musica/merhst-s.htm

TITO PUENTE

TITO PUENTE

Ernesto Anthony Tito Puente Jr., mejor conocido como Tito Puente, el Rey del Timbal "gobernó" durante más de cincuenta años en el ámbito de la música popular y se convirtió en una leyenda viviente de la salsa, buena parte del siglo XX. Hoy por hoy sus clásicos y composiciones se oyen por doquier: "Oye cómo va" y "Para los rumberos" han sido grabadas por leyendas del rock como Carlos Santana, amigo y admirador suyo. Sus álbumes "El número 100", "El Rey del Timbal", "Cuban Carnaval", "Puente in Percussion", "Dance Manía" y "Top Percussion", conforman piezas clave de los coleccionistas salsómanos de todo el mundo.
Hijo de inmigrantes puertorriqueños recién llegados a Nueva York, nació el 20 de abril de 1923; su infancia transcurrió en el East Harlem, más conocido como "El Barrio". Aunque su entorno era norteamericano, siempre guardó sus raíces, escuchando música cubana y orquestas de jazz, las que tomaban fuerza en ese entonces.

De niño tomaba clases de piano (que le costaban 25 centavos), de batería y hasta de baile, algo de lo que se enorgullecía, pues en su concepto la experiencia del cuerpo con la danza es la que marcaría su sentido del ritmo; además el baile le permitía aflorar una expresividad que era relegada por su carácter introvertido.

Su primera aparición fue como percusionista en una banda llamada "Los Happy Boys", pero sería cruelmente la Segunda Guerra Mundial la que le ofrecería su primer gran oportunidad musical, cuando el baterista de Machito, una banda famosa a comienzos de los 40, tuvo que prestar su servicio militar. Tito tomó su lugar y fue tanta la impresión causada que, según dicen, por primera vez en la historia musical, los timbales -de los que se había hecho maestro- se ubicaron al frente de la orquesta. De pie, como siempre le gustó -y no sentado como solía hacerse- tocaba su instrumento y compartía su delirio con los asistentes, hasta convertir en norma esa posición liberadora.

Graduado de la famosa escuela Julliard, su carrera a lo largo de las décadas influyó decisivamente en el desarrollo de la música latina, hasta el punto de que ya hay cátedras oficiales sobre su modo de percusión en varias universidades. Obtuvo 11 nominaciones a los Premios Grammy y logró 4 de ellos; ha recibido varias condecoraciones presidenciales por su fomento a la música popular y su labor educativa. Fundó en los años 80, de la mano de Joe Conzo y Robert Rodríguez, el "Tito Puente Scholarship Fundation", encargado de ofrecer becas a jóvenes talentos.

En 1997 Tito grabó "50 Years of Swing", una recopilación de éxitos con la que celebró sus cincuenta años en la industria musical; además fue elevado al Salón de la Fama del Jazz junto a grandes estrellas como Nat King Cole, Miles Davis, Rey Charles y Anita O’Day.
Y fue en el escenario, después de su última presentación ante el público junto a la orquesta Sinfónica de Puerto Rico, cuando se le detectó una arritmia cardiaca que se buscó corregir en junio del 2000 en el NYU Hospital, mas su cuerpo no soportó la operación. Ahora el Rey del Timbal, el de la sonrisa siempre a flor de piel, el de eterno corazón boricua, reina desde los cielos.

TOMADO DE LA PAGINA DE INTERNET:
http://www.caliescali.com/html/sitio/index.php?view=vistas/salsaysalsa/tito_puente.php3

LA REINA DE LA SALSA

Un Siglo... Celia Cruz la reina de la salsa
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CELIA CRUZ

Conocida como "la Reina de la Salsa", "la Guarachera de Cuba", Celia Cruz comenzó su carrera artística en La Habana, luego de haber ganado un concurso de talentos conocido como "La hora del té".

Celia se preparó para ser profesora de literatura. Dio clases durante algunos años. Trabajó en la radio cubana. Cantó en el club nocturno Tropicana.

En 1950 se incorporó como vocalista de la banda musical La sonora matancera. Y junto con ese grupo abandonó la Cuba revolucionaria de Fidel Castro en julio de 1960 para radicarse en Estados Unidos.

Desde su exilio, no dejó de ayudar a su familia y tampoco dejó de condenar continuamente el gobierno cubano, que le impidió la entrada a la isla para asistir al funeral de su padre.

Durante su larga trayectoria, Celia Cruz grabó unos 50 álbumes, algunos de ellos en compañía de los salseros más reconocidos a nivel mundial. También participó en la película "Los reyes del mambo" y en varias telenovelas mexicanas.

"Celia empezó a cantar, y a cantar bien, desde pequeña", nos dice su hermana. "Es una mujer sencilla y sin pretensiones que ama la música", afirma un conocido salsero.

Una cubana que añoraba su isla, pero que estaba divorciada del gobierno; una amiga inteligente y espiritual, a la que le gustaba descansar en bata y pantuflas, y que era excelente cocinera.
La "Reina de la Salsa" falleció el 16 de julio de 2003, a los 78 años de edad, en su hogar de Nueva Jersey, como consecuencia de un cáncer encefálico.

TOMADO DE LA PAGINA DE INTERNET:
http://www.bbc.co.uk/spanish/seriemilenio10.htm